Durante tres días, como en años anteriores, y hasta el 28 de junio, se ha desarrollado en Bilbao un Curso de Verano organizado por el Museo de Bellas Artes-Bilbao Museoa que en esta ocasión ha puesto el punto de mira en el contexto en el que surge un museo.
Con el patrocinio de la Fundación Gondra Barandiarán y con la colaboración de la Universidad de Deusto e Iberdrola este año se ha presentado bajo el título de "La trama del arte (moderno)"
D.Manuel Segade, Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid fue el primero en intervenir con un mensaje dinámico y rotundo señalando que "El deber de los museos es preservar la complejidad del mundo". En su opinión "llevamos dos siglos atrapados en una promesa de porvenir (...)Lo que nos corresponde es reconocer futuros deseables que ya están aquí". "Si un museo fuera un género literario, el género sería de ficción o ciencia ficción" indicó.
A lo largo de su discurso, tan elocuente como provocador, señaló que "el museo de arte contemporáneo debiera de ser el sujeto principal de transformación social".
Zugaza en la presentación de la mesa formada por Catalina Lozano, Comisaria Jefe del Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, Artium, Manuel Cirauqui, Curator del Museo Guggenheim y Fernando Pérez, Director de Azkuna Zentroa-Alhondiga Bilbao.
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Alzuri y Onandia presentaron una conferencia sobre el Museo de Arte Moderno (que en 1924 conmemoraba su centenario), la primera institución nacida en el País Vasco con la misión de recoger, exponer y estudiar el arte contemporáneo en un contexto cultural en el que solo Madrid y Barcelona contaban con museos dedicados al arte de su tiempo.
D. Javier Novo, Coordinador de conservación e Investigación del Museo de Bellas Artes de Bilbao, presentó el proyecto Arteder, una de las novedades que hace referencia a la transformación digital y por la que se introducen nuevas narrativas. "Los seres humanos somos narradores por naturaleza" ha dicho. Según ha subrayado, la necesidad que tenemos de contar historias "es absolutamente necesaria" y los museos "han de saber cómo contar historias".
Momento de la exposición de D. Javier Novo. Foto: L.Zabala
El artista y profesor de Escultura en KKH Royal Institute of Art de Estocolmo, Asier Mendizabal, presentó dos casos de su trabajo con colecciones de museos. Señaló que cada momento presente proyecta un punto ciego sobre sí mismo y que "solo volviendo sobre las predicciones del pasado podemos conocer si hemos acertado"
Junto a Mendizabal
D. Luis Pérez Oramas, Conservador Emérito de Arte Latinoamericano del Museo de Arte Moderno MoMA de Nueva York presentó una ponencia a partir de una trilogía de obras -tres ninfas arcaicas, pomonas o majas- creadas por tres artistas emblemáticos de la primera modernidad latinoamericana con el objeto de discurrir sobre la emergencia de modernidades otras, altermodernas o residuales, múltiples al "Sur de Mondrian" en Iberoamérica.
Pérez Oramas en su intervención. Foto: L.Zabala
De su discurso, cargado de encanto poético, destacamos algunas afirmaciones como: "El rastro es el brote tembloroso de otra temporalidad" o "La historia de la imagen no es la historia de la sucesión sino es lo súbito de la eternidad". "Decolonizar el arte es encontrar en el pasado la visión profética" señaló.
Junto a D.Luis Pérez Oramas,
Dña Cristiana Collu, Directora de museos, consejera artística y comisaria, disertó sobre la forma en que se concibe mundialmente el tiempo, muy influida por el pensamiento occidental que lo percibe como una entidad lineal. Según ella misma señaló "decolonizar el tiempo significa abarcar todo lo que ya sabemos (y no sabemos) sobre él para reconocer que la forma en que lo percibimos y organizamos no es algo universal sino un constructo cultural".
Foto: L.Zabala
En su opinión "pasado, presente y futuro coexisten. No se trata de algo lineal".
Junto a Collu
Xabier Arakistain, ComisariaA independiente, por su parte abordó lo que acontece en el campo del arte vasco sobre el eje de tres fuerzas: el pensamiento feminista, la teoría feminista y la institucionalización del feminismo. "Vemos como pensamos" declaró.
D. Gilermo Zuaznabar, Conservador Jefe del Museo de Bellas Artes de Bilbao, ofreció a los asistentes una interesante retrospectiva de la Escuela de Ulm, desde sus inicios en Alemania pasando por Santiago de Chile hasta llegar a Bilbao en 1976. Al comienzo de su intervención, señaló que se habla mucho de la audacia de Bilbao pero no tanto de su mirada al pasado para construir una realidad nueva. Como si quisiera subrayar esa maravillosa capacidad de memoria para en definitiva, reinventarse. "Sin un conocimiento del trabajo de los que nos precedieron no es posible avanzar". "Ha de haber un buen conocimiento del pasado como lo hicieron Picasso y Le Corbusier" reseñó.
Foto: L.Zabala
Respecto al diseño, el ponente afirmó que aparece para dar respuesta a situaciones políticas, económicas y sociales adversas. Puso como ejemplo a William Morris que así lo entendió pensando en el diseño artesanal como sistema que podía cambiar la situación de los trabajadores de la época. Dentro de la Escuela de Ulm, Zuaznabar se centró en la figura de Guillermo Capdevila, con sus sugerentes aportaciones de su trabajo en Bilbao vinculado a la Fábrica el Casco y también dentro de la arquitectura con la construcción de su casa "Tellagorri" en Donostia, un ejemplo quizá el único de arquitectura concreta en Euskadi, como señaló.
Junto a Zuaznabar
D.Alfredo Puente, Curador de la Fundación Cerezales Antonio y Cinia (FCAYA), presentó su trabajo en el marco de un entorno rural en el pueblo Cerezales del Condado (León) aludiendo a conceptos como -planetariedad-, es decir, con la intención de sobrepasar una idea esclerótica -tal y como él mismo señaló- del término globalización. En este concepto (planetariedad) confluyen muchas líneas de pensamiento diferentes y caben todas ellas. "La dependencia es la manera de estar en el mundo" dijo. Una última idea nos pareció atractiva: "Se trata de pensar con las manos" señaló.
Dña Cristina Iglesias, en un magníficamente diálogo articulado por el director del curso D. Miguel Zugaza, comenzó señalando que ha tenido el privilegio de vivir con un lenguaje abstracto como si fuera normal, rodeada de autores vascos y con una geología del País Vasco que está en el imaginario. Respecto a los materiales: "Comencé a trabajar con barro y cemento antes que a dibujar". "Con la escultura siempre he tenido una relación de amor-odio. Pronto empecé a incorporar otros materiales como tapices, material blando para mezclarlo con el hierro o el cemento".
Foto: L.Zabala
A lo largo del diálogo, se fueron presentando a los asistentes piezas de la obra de Iglesias como esta que vemos en la imagen a continuación. Se trata de Lauren Leaves 1993-1994. Una interesante obra que parece dar paso a la piedra natural junto a la que está, como si fuera una puerta. Es una instalación permanente situada en Moskenes, Islas Lofoten en Noruega.
Foto: L.Zabala
O por ejemplo, destacamos esta otra titulada Estancias sumergidas, 2010. Con materiales de cemento y acero es una instalación permanente en el fondo marino. Espíritu Santo Archipiélago en Baja California México.
Foto: L.Zabala
Pero aparte de estas obras en plena naturaleza y alejadas de la urbe, Iglesias también tiene numerosas creaciones en el ámbito urbano. Así señala: "Hacer esculturas en la ciudad es proyectar lugares de encuentro entre las personas. El arte te puede meter dentro de tí mismo" dijo. Mención especial son las fuentes de la artista pues en ellas el agua sale del fondo y aparece y desaparece lentamente como simulando los movimientos y ritmos de la tierra, los ríos y las mareas. "En mi proyecto de fuente de Amberes, por ejemplo, tuve que defender que lo profundo también es espectacular".
Zugaza señaló que la artista comenzó sus estudios de Química y que eso se nota en su obra. "Cuando era estudiante de Química, la Geología era una de mis asignaturas favoritas".
El diálogo se cerró con un repaso a Hondalea, el trabajo de 2021 que la artista ha llevado a cabo en la isla de Santa Clara en Donostia. Un placer disfrutar de la persona y la obra de Iglesias con su hiperrealismo natural podríamos decir.
Este estilo de trabajo nos permite disfrutar de la textura, de los sonidos, y de la imagen de superficies que simulan a la perfección las capas de la tierra, las arrugas de su superficie surcadas por el agua y los elementos permitiéndonos soñar con que están tan cerca.
Señalamos por último una de las ideas de la artista: "Somos la memoria que llevamos con nosotros y la que construimos cada día".
El curso se cerró con la ponencia de Dña. Caroline Campbell, Directora de la National Gallery of Ireland que hizo una atractiva presentación de lo que supone el efecto didáctico y formativo de la entidad que dirige especialmente para los jóvenes. Un millón de personas pasan por sus instalaciones y la idea es que repitan. A lo largo de su exposición se ha fijado en algunas de las piezas significativas y que gozan de mayor éxito entre los visitantes así nuevas adquisiciones y proyectos en colaboración con otros museos.
Un plan magnífico para empezar el verano. Darse un chapuzón de conocimiento y quedarse con las ganas de poder disfrutar del siguiente ¿Os apuntáis?
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